現在互聯網信息發達，各位會不會刷B站或者網易云聽歌的時候，發現原來昔日香港的粵語金曲，原來都是日本原創，有沒有被那種“毀童年”的感覺？

譚詠麟深情款款地唱著《酒紅色的心》，卻是玉置浩二的日文原版；你以為陳慧嫻的《千千闕歌》是純正港產，結果發現真正創作者是近藤真彥。

這時候，大家都驚呼，原來Beyond黃家駒當年吐槽說香港沒樂壇只有娛樂圈，是真的。甚至有毒舌調侃：“中島美雪一個人撐起了香港樂壇的一半，剩下的交給了玉置浩二。”

不過，我今天想跟大家聊點不一樣的。香港樂壇那段“翻唱歲月”，真的只是因為“懶”嗎？

1. 別急著破防，這叫“鯰魚效應”

我們得承認，那時候的日本流行音樂確實領先咱們好幾個身位。但如果你說香港樂壇只會抄，那可就太小看當年的那幫音樂人了。

其實，這事兒跟咱們現在的中國汽車市場特別像。

舉個例子給大家。想當年，滿大街都是合資車、進口車，自主品牌連個發動機都搞不定，這時候有人跳出來說“中國汽車沒戲了”。結果呢？正是因為有了大眾、豐田這些“洋師傅”帶來的巨大沖擊，才刺激了吉利、比亞迪這些自主品牌的崛起。

香港樂壇當年也一樣。 日本流行歌就像是丟進魚缸里的鯰魚，把本土創作人給逼急了。在大量高水平旋律的沖擊下，才有了后來黃家駒的《海闊天空》，有了林夕、黃偉文那些頂級詞作人的封神。如果沒有這些頂尖旋律的“瘋狂卷”，咱們可能還要等很久才能聽到那種國際化的音質。

2. 作曲“搬運工”？不，這是全球化的資源整合

很多人覺得當年唱片公司是“不告而取”，或者圖省事買版權。其實，這背后更多是大型唱片公司的資源配置。

那時候的環球、寶麗金、索尼，全是跨國巨頭。這種公司內部是什么邏輯？

簡單說： 我這一家公司，旗下有日本歌手，也有香港歌手。日本歌手唱火了一首歌，我覺得這旋律在香港也能爆，直接拿給香港歌手唱就行了。這就好比一個大型集團，研發在海外，工廠在本土，這叫資源整合，根本不存在什么“沒原創”或者“抄襲”的說法。

而且，咱們別光盯著香港。在那條“翻唱鏈”上，日本其實也經歷過。

就拿陳慧嫻那首讓全香港蹦迪的《跳舞街》來說，很多人以為是翻唱日本的荻野目洋子。沒錯，確實是翻唱日本，但日本那位也是翻唱歐美的《Eat You Up》！你看，流行音樂其實一直就是全球化的“擊鼓傳花”，日本買歐美，香港翻日本，大家都在學習中進步。

3. 那個“諸神黃昏”的時代，終究是回不去了

最后，我想感嘆一句。

雖然現在大家動不動就吵“原創性”，但你發現沒有？現在的原創音樂多得數不清，可真正能讓你單曲循環、流傳十年的“神曲”卻越來越少了。

那是為什么？

誘惑太多了： 短視頻刷不完，手游打不停。

精力被攤薄了： 以前大家守著收音機、買磁帶，一張專輯能聽一個月；現在是“十五秒定律”，旋律如果不抓耳，滑過去就沒了。

在這個“萬物皆可短視頻”的年代，流行音樂的創作心態變了。以前是想做“傳世之作”，現在是想做“流量爆款”。

那個中島美雪、玉置浩二和黃家駒并行的時代，那個一張CD能承載一個青春的時代，終究是成了我們硬盤里的一抹夕陽。

你最喜歡哪首翻唱的港樂？又或者，哪首原創港樂曾讓你在深夜破防？評論區見！