時尚圈，還是你們會玩

2027早春秀看了一圈：有人光腳，有人提著“外賣盒”，有人戴著羽毛頭飾，還有人把時代廣場包了。時尚圈，還是你們會玩。

“遠離巴黎沙龍，香奈兒女士在比亞利茲發現了別樣的生活與觀察方式，以及關于行動與自由的全新維度。她將這一切確立為其時尚的基座。這是一片崇尚功能性又富于暢想的平衡之地。在藝術家、工人、貴族、水手以及自然萬物之間，每個人、每件事物都同享一個舞臺，共處成為常態，各有其角色。”—— Matthieu Blazy

當五月的海風掠過比斯開灣，CHANEL 2027早春度假系列在法國西南部海濱小城比亞利茲拉開帷幕。這里不是一場尋常的時裝發布，而是一次跨越111年的“回家”。

1915年，第一次世界大戰的烽火仍籠罩歐洲，嘉柏麗爾·香奈兒卻在這片自由的海岸找到了縫隙，開設了她的第一間高定時裝屋。

彼時巴黎的沙龍仍被僵化的傳統所束縛，而比亞利茲的水手、藝術家與歐洲貴族們早已在這片土地上自由往來。香奈兒女士在這里發布了她的首個系列，將針織面料、亞麻布、海軍條紋與后來的“小黑裙”帶入高級時裝的世界，一舉改寫了時尚的既有秩序。111年后，新任精品部創意總監Matthieu Blazy帶著他的首個早春度假系列回到了這里。

比亞利茲遠離歐洲宮廷的繁文縟節與巴黎的潮流中心，呈現出一種不受陳規束縛的自在優雅。正是在這里，嘉柏麗爾·香奈兒幫助女性從沙龍式的傳統生活中走出，邁向大海、沙灘、陽光與風的戶外天地——這一環境要求服裝兼具實用性與行動的自由。

CHANEL精品部創意總監Matthieu Blazy的首個早春度假系列，向巴斯克海岸深情致意。人魚的意象被詮釋得更加具體而生動——它既是預告短片中新浪潮鏡頭下真實存在的女性本體，構思精妙，又帶著一絲玩味的輕盈。一種全新的香奈兒風格敘事，正悄然成形。

CHANEL 2026/27早春度假系列秀前預告海報?

從飄動的真絲圍巾套裝，到沙沙作響的酒椰纖維半裙，再到水洗棉帆布套裝，系列作品盡顯靈動之美。衣著更迭的愉悅感，連同不可或缺的泳裝款式，為本系列定下基調。

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除了比亞利茲這一極具歷史意義的地標，Matthieu Blazy還抓住了香奈兒女士于1926年推出的“小黑裙”作為另一條深潛歷史的線索。它是對1926年香奈兒“小黑裙”經典的深情凝視，那個讓上流貴婦渴望穿上當代女工衣著的反叛時刻。有趣的是，原始版本中出現在背后的大蝴蝶結，被他巧妙地轉化為一款皮革手拿包，一場橫跨百年的對話就此展開。

整個系列如同一場關于面料與想象的狂歡。Blazy對CHANEL標志性的斜紋軟呢進行了大膽的“輕化”處理，使其具有夏日針織衫般的輕盈質感。看似水洗棉的淺藍色套裝，近看竟由數千顆微型珠片組成，“休閑奢華”在此被推向了極致。

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他有意采用直線條管狀剪裁，模糊胸部與腰部的曲線，讓女性身體不再受束縛，還幾乎完美復刻了早期海濱度假時的針織泳帽。

雙C標志是另一條貫穿系列的線索，但它并非品牌視覺標識的簡單羅列，而是融入了服裝的結構肌理。自1930年代以先鋒姿態問世以來，雙C標志那條優雅的弧線，既是嘉柏麗爾·香奈兒鮮明的簽名印記，也承載著她在服裝設計上的時尚宣言與自傳色彩。如今，它等待穿著者去書寫屬于自己的故事。

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配飾作品強化了旅行的概念，跨越實用與趣味，款式豐富多樣，從精巧的手提箱到大容量的旅行袋，從防水口蓋包到超大條紋沙灘籃，甚至包括一款板式網球拍包。鞋履則在沙龍和海灘之間自如切換，從優雅的裝飾藝術風格高跟鞋，到裸足般的“鞋跟套(heel caps)”，輕松應對各種場合。

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當壓軸的兩件美人魚禮服，隨模特微濕的發絲緩緩走過，Blazy用這一季證明，他沒有試圖用懷舊包裝歷史，而是在海浪聲中，找到了跨越百年的生活哲學。

克里斯汀·迪奧深知，“夢想”之于戰后的人們何其珍貴，是心靈的慰藉與庇護。他于高級訂制時裝中探尋這一主題，他的超現實主義藝術家好友亦癡迷于夢境，而好萊塢更被譽為“夢工廠”。這一切，同屬于一場跨越文化的美學變遷。

夕陽沉落于好萊塢群山之間，不遠處的威爾希爾大道，車流緩緩駛入洛杉磯郡藝術博物館(Los Angeles County Museum of Art)入口。街燈次第亮起，投下老電影里才有的曖昧光影，這里不像一場時裝秀的入口，更像一處被精心布置的片場。而Dior 2027早春系列，即將在這里“開機”。

這是Jonathan Anderson執掌Dior以來打造的首個早春度假系列，也是品牌首次在早春系列中完整納入男裝敘事。大秀選在“魔法時刻”(Magic Hour)開場，當第一縷夜色與最后一寸日光交織，Dior與好萊塢跨越近八十年的對話，在這一刻被重新喚醒。

要理解這一季，需要將時間撥回1949年。彼時，德國傳奇女星瑪蓮娜·迪特里茜正在與導演阿爾弗雷德·希區柯克僵持。她接下《欲海驚魂》(Stage Fright)中蛇蝎美人Charlotte Inwood的角色，但條件只有一個，她表示：唯有身著迪奧登上銀幕，才能讓片中飾演的魅惑人物夏洛特·英伍德(Charlotte Inwood)盡顯璀璨風華。她擲地有聲地說出那句日后載入時尚史的名言——“No Dior, No Dietrich”。最終，Dior為她設計了那件標志性的花卉裙與灰色大衣，也由此將高級訂制與好萊塢銀幕文化緊緊縫合。Jonathan Anderson將這段往事作為整個系列的起點。

花卉始終是Dior最核心的設計語言，而這一季，Anderson讓花朵從印花中“生長”出來，變成可觸可感的立體形態。開場的三件連衣裙近乎相同，以不同層次的薄紗呈現，立體的花苞隨模特的步伐輕輕搖曳，仿佛剛從田野摘下便綴上裙擺。

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Christian Dior有個延續多年的習慣：他總在系列進行到一半時刻意加入一條紅色禮服，只為讓秀場上的賓客“醒過來”，Anderson重現了這一巧思，戲劇張力頃刻拉滿。

當女裝敘事進行到中段，男裝登場。模特們，頭戴著品牌與愛爾蘭制帽師合作的頭飾（制帽師Philip Treacy曾與Lee Alexander McQueen合作，還為傳奇編輯Isabella Blow定制了一款“BLOW”頭飾）步入秀場。

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男裝系列的另一亮點，是與洛杉磯當代藝術先驅Ed Ruscha的合作襯衫。Anderson說：“當我想到洛杉磯，我就會想到Ruscha，他的作品對‘日常性’有一種迷人的觀看方式。”

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配飾則是另一重敘事：John Galliano在2000年代初打造的Bow Bag以“Gazette”之名回歸，而“凱迪拉克馬鞍包”被重新演繹。

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至于定義了New Look輪廓的Bar Jacket，Anderson將其拉回更貼近日常的比例，深淺交錯的條紋如百葉窗投射的光影，這是對黑色電影視覺語言的直接挪用，冷峻而富有敘事性。

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Anderson用一個系列完成了Dior與好萊塢近八十年的對話續寫。他沒有復刻黃金年代的輪廓，也沒有復刻Galliano時期的戲劇感，而是打開檔案庫，將那些屬于電影、屬于夢境的原件，重新翻譯成當下仍然成立的語言。從巴黎到洛杉磯，從迪奧先生到Anderson——Dior締造的，從來不只是銀幕上的浮華幻夢，而是每一個時代里，人們對美最綺麗的想象。

Gucci新任創意總監Demna做出了一個讓整個時尚界屏息的決定，他將秀場搬到了“世界的十字路口”，從百老匯46街到48街之間的整片區域被包下，四周林立的巨型LED屏幕同時亮起，輪番播放著Gucci的廣告與直播畫面，變成真實發生在曼哈頓中城的魔幻奇觀，在這個全球最喧囂的十字路口，Gucci以一場大秀宣告了自己的回歸。

為何偏偏是紐約？答案藏在品牌七十余年的歷史里。1953年，Gucci在紐約第五大道開設了意大利本土以外的第一家海外專門店，正式開啟全球化征程。到了1980年代，更誕生了神秘的“Gucci Galleria”，一處隱匿于旗艦店上方的私密空間，僅對持有特制金色鑰匙的頂級VVIP開放。

Demna以“GucciCore”為名，為這個系列定下基調——這既是對紐約情緣的續寫，也是他執掌Gucci以來首個早春系列的宣言。

Demna從來不是一個甘于安靜的創作者。他曾以Balenciaga創意總監的身份重新定義了“街頭奢侈”，如今他將這套方法論帶入了Gucci。“GucciCore”是他“人物研究”系列方法論的第四章，匯聚了前幾季的美學語言，最終凝練為一個完整的核心衣櫥。他想要呈現的，是紐約街頭的眾生百態：從麥迪遜大道到布魯克林，從蘇活區到哈林區——身穿細條紋西裝的金融人士與商界精英，披著剪羊毛大衣的午餐名媛，穿著寬松剪裁與丹寧的滑板青年，以及優雅端莊的社交名流，他們在同一個時空中擦肩而過。

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每一套Look的角色設定不言而喻，他們穿著各自的“日常服”在城市中穿梭，或許我們也能在這系列中找到自己的模樣。材質的張力與對比貫穿始終：誕生于1950年代的經典綠紅綠織帶，被轉化為男士的抹胸上衣；馬銜煉則變身靴款上的馬鐙裝飾，搭配金屬鞋尖的高跟鞋。剪裁精準的大衣、經典風衣、利落的商務西裝與鉛筆裙，在此與低腰牛仔褲、超短剪裁的街頭風格交織碰撞。而高級訂制的語匯則通過鱷魚鱗片般的亮片、珠飾流蘇與羽毛刺繡延展至男裝，彰顯珍稀感。

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Gucci的伸展臺向來不缺少星光。本季，希爾頓驚喜現身，傳奇超模辛蒂·克勞馥壓軸登場。

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而爭議，從來都是Demna美學的一部分。有評論認為，比起包下時代廣場的震撼宣傳，服裝本身略顯平淡；也有人尖銳指出，那些包裹身體的皮革繃帶造型用力過猛。但正如Demna自己所言：“為了呈現真實的紐約感，我選擇那些在街頭可能遇到的普通人身上展示作品——每個人都有自己的穿衣方式，風格多元而交匯。”

從第五大道到時代廣場，從金色鑰匙到皮革繃帶，Gucci的這一夜屬于霓虹燈下的紐約，也屬于Demna手中那個正在被重新書寫的Gucci。它或許不安靜，不優雅，但它足夠真實。

在Louis Vuitton的時尚宇宙里，建筑從不甘于做秀場的沉默背景。它是與服裝深度對話的藝術本體。這份感知力，要歸功于品牌女裝藝術總監Nicolas Ghesquière刻在DNA里的建筑迷戀：他總能用時裝設計師的敏銳，去拆解、重塑一座空間的敘事可能。翻開Louis Vuitton度假系列的年鑒，便是一部當代建筑史的詩意注腳，每一次選址，都是一次對建筑藝術的深情致意。

1989年，18歲的Nicolas Ghesquière第一次踏足紐約。和所有初來者一樣，這座城市狠狠擊中了他。這僅僅是他第二次在紐約舉辦Louis Vuitton時裝秀，第一次要追溯到2019年，選址于Eero Saarinen設計的肯尼迪機場環球航空航站樓，那是一次關于速度與飛翔的宣言。而這一次，他把秀場藏進了弗里克收藏館的展廳之間。

這座1914年落成的宅邸，原本是亨利·克雷·弗里克的私人住所。這位靠焦炭與鐵路堆起鍍金時代龐大家產的實業家，用財富買下了歐洲半部藝術史：弗拉戈納爾、維米爾、倫勃朗、貝利尼……如今，畫作依舊掛在墻上，而模特第一次在它們之間穿行。Louis Vuitton是首個在這座博物館辦秀的品牌，同時宣布與弗里克收藏館達成三年贊助合作，支持其公共藝術項目，時尚與藝術，再次隔空相望，又終于貼身相擁。

這場大秀是Nicolas Ghesquière上任以來的第12個早春系列，也是品牌時隔七年重返紐約的重要時刻。它聯結巴黎與紐約兩個截然不同的城市身份與現實，也聯結那座城市中萬千城邦的對話與對峙。上城的輝煌、老錢，下城隨性街頭。而這正是紐約——從不單一，而是一種匯聚。沖突即魅力，各異即臻美。這便是致敬的奢華所在。

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新裝系列對“兼具交錯感知與并行態度”做出了巧妙詮釋。Nicolas Ghesquière在本季繼續揮灑他標志性的設計語匯：凌厲的廓形外套宛如移動的雕塑；不同材質的碰撞，如同一場戲劇舞臺上的精彩對白；從裝飾性的古典角色，到波普藝術的隨性筆觸。藍色牛仔、平紋針織、皮革……美式風格的傳統底蘊在此被重新解碼、組裝，然后毫不猶豫地放入同一個空間。而紐約之所以為紐約，正因為它本身就是這種交錯感知與并行態度的載體——這也正是Louis Vuitton 2027早春女士系列的核心：古典巨匠與波普藝術、舊世界與新天地，兩種語法，共享一種聲音。

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這場秀的靈魂與化身，來自已故紐約街頭藝術家Keith Haring。一切始于品牌檔案館中發現的一只1930年代古董硬箱——Haring曾于1984年用馬克筆在上面畫下他標志性的“爬行嬰兒”和“跳舞小人”。這個箱子，成為整個系列的原點。Haring那些彩色小人、跳躍的幾何線條、鮮活的橙粉綠色，大量涌上服裝、Speedy手袋、運動鞋。

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老虎機、汽車底盤、拳擊手套，以及對鍍金時代宏大底蘊的回響，全部被賦予全新語境，融入服裝肌理。包袋以外賣盒、可樂罐、黑膠唱片為靈感重塑，它們不只是配飾，更像從下城街頭直接撿回來的符號，變成一段段屬于紐約的記憶。

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Nicolas Ghesquière用一個系列，完成了古典藝術與街頭文化、法國工藝與美國能量、鍍金時代的優雅與Haring式反叛之間的多重縫合。這不僅是一場時裝發布，更像一封寫在布料與皮革上、遞給紐約的情書。

CHANEL在海邊找回自由，DIOR在片場重造夢境，LV用涂鴉縫合雙城，GUCCI在霓虹燈下擁抱真實。四個品牌，四種答案，卻都做了一件事：不再試圖取悅所有人，而是誠實地成為自己。明年早春，下一站又會是哪里？我們拭目以待。

圖片來源：品牌 / 網絡