一條鯊魚、一張床，為什么改寫了英國當代藝術？

▲“凍結”（Freeze）展覽開幕前夕，1988年8月

左起：伊恩·達文波特、達明安·赫斯特、安吉拉·布洛克

菲奧娜·雷、斯蒂芬·帕克、安雅·蓋拉西奧、莎拉·盧卡斯和加里·休姆

圖片來源：?Abigail Lane

當今，無論是文化挪用、性別議題，還是氣候變化等問題，“爭議”依然是吸引公眾注意力的重要手段，也被藝術家廣泛運用于創作。而 YBA 在 30 余年前就已證明：在媒體時代，藝術家的名字能像品牌一樣被銘記，往往不是因為溫和的贊美，而是因為激烈的討論。

在20世紀80年代末到90年代初，一群年輕英國藝術家在倫敦崛起，以挑釁姿態攪動當代藝術的既有秩序。30多年過去，盡管市場和社會環境不斷變化——“YBA”（Young British Artists）藝術家身上的某些特質卻始終未變，而且至今仍在發揮作用。

1988年，倫敦東部一座廢棄大樓里，就讀于倫敦大學金匠學院的達明安·赫斯特與16位同學舉辦了主題為“凍結”（Freeze）的展覽，這場展覽在當時被視作是一場激進的學生實驗，卻意外成為一個時代的序幕。

▲“凍結”展覽布展空間，倫敦，1988年

圖中有達明安·赫斯特、安吉拉·布洛克和馬克·科立肖的作品

4年后，薩奇畫廊的“英國年輕藝術家”展，讓這群成長于撒切爾時代的、多數來自工薪家庭的年輕藝術家，正式以“YBA”之名闖入主流視野。

展覽中，翠西·艾敏（Tracey Emin）將滿布個人性格的床榻轉換為藝術裝置；莎拉·盧卡斯（Sarah Lucas）則用生鮮食品、香煙或女性連褲襪構建雕塑；妮莉亞·帕克（Cornelia Parker）以蒸汽壓路機碾軋現成物，瑞秋·懷特里德（Rachel Whiteread）則以負空間體現存在的痕跡。

▲達明安·赫斯特，《生者對死者無動于衷》，綜合裝置，1991年

而達明安·赫斯特以其極具爭議性的浸泡在福爾馬林中的虎鯊作品《生者對死者無動于衷》受到關注與爭議，這些藝術家們的創作方式多元而大膽，猶如向倫敦平靜如水的藝術界投入一枚重彈，激起層層巨浪。

赫斯特早年在停尸房的工作經歷，為他的標志性創作奠定了獨特基礎。他的作品游走于醫學標本與宗教圣像的邊界，將科學與信仰、理性與神秘并置，以冷峻而直觀的方式，叩問生命的本質。

▲達明安·赫斯特，《母與子（分離）》，綜合裝置，1993年

1995年，赫斯特憑借作品《母與子（分離）》（Mother and Child, Divided）贏得了英國當代藝術最高榮譽——特納獎（Turner Prize），為YBA運動確立了其在當代藝術中的坐標。

這種對生死界限的戲劇化呈現，與20世紀90年代英國社會轉型期的精神焦慮形成共振——當傳統信仰體系松動而科技權威尚未完全建立之時，赫斯特用充滿挑釁的視覺語言，將那些長期被回避的根本話題擺上了臺面。

▲翠西·艾敏與莎拉·盧卡斯在她們的“商店”前，1993年

與此同時，YBA群體也展現出與新自由主義時代同頻的“藝術企業家”特質：1993年，翠西·艾敏與莎拉·盧卡斯在倫敦創辦的“商店”（shop）將創作現場轉化為零售空間；1998年，赫斯特投資的“藥房”（Pharmacy）餐廳則把藝術體驗植入都市消費場景。這種將文化資本直接轉化為商業實踐的敏銳度，配合策展人查爾斯·薩奇（Charles Saatchi）擅長的媒體運作，共同催生了YBA的現象級傳播，讓藝術展覽突破專業圈層，成為大眾文化事件。

▲查爾斯·薩奇與達明安·赫斯特在活動上合影，1997年

在薩奇的推動下，這群年輕的藝術家開始在泰特現代美術館舉辦展覽，并廣泛結交業內精英，隨后更陸續與白立方（White Cube）、白教堂畫廊（Whitechapel Gallery）、高古軒（Gagosian）等頂級畫廊建立合作。

▲由查爾斯·薩奇策劃的“感知”（Sensation)展覽

1997年在皇家藝術研究院開幕，引發觀眾排隊觀展

即便如此，由YBA開創的當代藝術的語境并不局限于畫廊與學術刊物，而是蔓延至報紙頭條、電視辯論與街頭巷議的公共領域。正是在哲學思辨與商業運作的雙重驅動下，YBA藝術家實現了從藝術創作者到文化符號塑造者的蛻變。

在作品引發廣泛爭議的同時，作為YBA領軍人物的赫斯特也順勢展開對藝術市場的突破性探索。借助金融危機前歐美經濟良好的大環境，他不僅躋身在世最富有藝術家之列，更一舉登頂當代藝術市場的巔峰。

▲達明安·赫斯特的“藥房”餐廳外景

攝影：Peter Stone / Alamy Stock Photo

2003年，赫斯特與拍賣行聯合打造了一個前所未有的專場——首次由在世藝術家直接委托作品上拍，他的“藥房”餐廳的166件物品（包括胡椒罐、排隊邀請卡、煙灰缸等等現成物件）最終斬獲1110萬英鎊；2007年，《為了上帝的愛》（For the Love of God）——一件鑲嵌了8601顆無瑕級鉆石的鉑金頭骨鑄件，以5000萬英鎊私洽成交。

▲達明安·赫斯特,《為了上帝的愛》，綜合雕塑，2007年

而二級市場的價格高潮，則戲劇性地發生在2008年，赫斯特繞過他的畫廊代理人，直接委托蘇富比舉行“美麗永駐我心”（Beautiful Inside My Head Forever）專場拍賣，此專場共斬獲超1億英鎊的超高成交額。而就在前一天，金融危機的導火索——雷曼兄弟申請破產。赫斯特的這次拍賣，猶如黑夜降臨前的最后一場煙火，極致絢爛，卻也映照出隨后漫長的余燼。

2008年金融危機后，全球藝術市場持續低迷，收藏家與投資者變得格外謹慎，藝術交易也大幅萎縮。然而，即便市場自2010年起逐漸復蘇，直至2015年，赫斯特的作品在二級市場依然表現平平，曾創下高價紀錄的作品價格明顯回落：多件曾上拍于2008年“美麗永駐我心”專場中的作品，在二次上拍時皆遭遇價格縮水，多件成交價較原始售價暴跌逾40%，跌幅極高。

▲達明安·赫斯特,《美麗的米德爾·強烈宣泄之作（更添內在之美）》

布面高光漆，2008年

以《美麗的米德爾·強烈宣泄之作（更添內在之美）》（Beautiful Mider Intense Cathartic Painting [with Extra Inner Beauty]）為例，該作2008年9月以120萬美元成交，2017年3月在倫敦富藝斯僅拍得54.6萬美元，另一件作品《年輕的達米恩》（Young Damien）在2008年以100萬英鎊成交，而在2021年蘇富比紐約拍賣中卻慘遭流拍。

▲達明安·赫斯特,《難以置信的沉船寶藏》

綜合材質雕塑、影像，2017年

2017年，赫斯特在收藏家弗朗索瓦· 皮諾（Fran?ois Pinault）的資助下，于威尼斯雙年展期間推出《難以置信的沉船寶藏》（Treasures from the Wreck of the Unbelievable）。這件耗資巨大的作品收獲了褒貶不一的評價，包括審美的繁雜、創意的枯竭，甚至動物保護者的抗議，種種爭議紛至沓來。

然而，這種“冒險”精神，正是他從“YBA時期”至今未變的底色。改變的是舞臺和規模：從廢棄倉庫搬到威尼斯雙年展，從挑釁藝術體制到建構自己的神話體系。經歷市場起伏，赫斯特始終是自己藝術世界的總指揮：定義規則，制造事件，掌控敘事。

▲“達明安·赫斯特：閃耀之光”展覽現場，2024年

圖片來源：Chateau La Coste

2024年， 他在法國南部普羅旺 斯地區的拉科斯特酒莊（Chateau La Coste），推出個展“達明安·赫斯特：閃耀之光”（Damien Hirst: The Light That Shines），展出了包括過往各個時期的代表作品，以及其近年頗為關注的花卉及自然主題架上作品。

▲達明安·赫斯特,《身體》

綜合裝置，1989年

2020年倫敦的富藝斯拍賣會，收藏家羅伯特·蒂布爾斯（Robert Tibbles）在30年前以600英鎊向赫斯特購藏的作品《身體》（Bodies），以140萬英鎊成交，漲幅高達數千倍。

但這個看似完美的投資案例，也足以引起另一層次的思考：蒂布爾斯當初買下那件藥柜，是因為認同其中的顛覆性，還是預見了YBA的未來？或許最成功的收藏恰恰居于兩者之間——因“愛”而買入，卻意外收獲了“投機”的回報。收藏家的真正洞見在于：當藝術價值尚未被大眾認知時，能看見其中凝結的時代精神與創作能量。

▲翠西·艾敏，《我的床》，1998年

這件作品在1999年被特納獎提名

與赫斯特市場軌跡迥異，翠西·艾敏的藝術價值在時間沉淀中顯現出獨特的韌性。她的二級市場高峰出現在金融危機后的2014年——當赫斯特作品價格震蕩回落之際，翠西·艾敏那件混雜著體液痕跡與生活碎片的《我的床》（My Bed）以254萬英鎊刷新其個人拍賣紀錄。

這種市場時序的錯位，揭示出兩者藝術內核的本質差異：達明安·赫斯特作品的市場起落與轟動事件緊密綁定，而翠西·艾敏的價值則隨著其生命敘事與情感厚度的累積而緩慢發酵。

▲翠西·艾敏，《母親》，青銅雕塑，2022年

近年來，當全球藝術市場面臨周期性收縮時，艾敏的作品卻逆勢于2022年與2023年多次創下次高價紀錄。從早期的刺繡、霓虹文字到近年的大型青銅雕塑，她以多元媒介將私密記憶鑄造成可觸碰的公共紀念碑。

奧斯陸海濱那座9米高的《母親》銅像，以作品背對博物館的跪姿形成溫柔屏障，恰似她對藝術史的獨特介入方式——并非正面交鋒，而是以身體重構對話。展覽中，艾敏的作品與蒙克、席勒等表現主義大師的共同展出，將她深刻的個體痛苦提煉為跨越時代的共鳴。

▲翠西·艾敏，《猶如一團血云》，布面亞克力，2022年

自2020年被確認膀胱癌并經歷多次手術后，艾敏最近已重新回歸創作事業，并催生出“第二人生”般的創作爆發。她在家鄉馬蓋特創立藝術學院，并為其進行拍賣籌款。2022年，她的作品《猶如一團血云》（Like a Cloud of Blood）在倫敦佳士得以232萬英鎊成交。

這種持續的市場信心，或許源于藝術家將肉身創傷轉化為創作能量的驚人生命力。在藝術市場普遍追逐短期獲利的現實中，翠西 ·艾敏對創傷、治愈與傳承的持續表達所承載的深層價值，是市場數據無法衡量的。

近年來，赫斯特的創作依然積極擁抱市場，他大量轉向架上繪畫，并發布了包括數字藝術作品在內的限量作品，以吸引年輕藏家。他也依然在不斷嘗試多樣的創作形式，持續探討藝術價值、數字藝術的崛起以及藝術品所有權等議題。

▲皇家藝術研究院夏季展現場，2025年

而艾敏的藝術生涯也進入了一個充滿象征意義的全新階段。2025年，在皇家藝術研究院（Royal Academy of Arts）2025年夏季展覽中亮相的大尺幅新作《受難像》（Crucifixion），她用標志性的粗糲筆觸重構了宗教意象，將私密的痛苦體驗提升至近乎殉道式的普世高度。

▲藝術家翠西·艾敏在展覽現場，2026年

圖片來源：泰特現代美術館

攝影：Yili Liu

2026年2月末，她在泰特現代美術館舉辦迄今最大型回顧展“翠西·艾敏：第二人生”（Tracey Emin: A Second Life），涵蓋其40年創作生涯的90余件作品，包括繪畫、霓虹燈、雕塑、視頻和最具標志性的裝置作品《我的床》等。將呈現她從“第一人生”到經歷重病康復后的“第二人生”的藝術轉變。

▲“翠西·艾敏：第二人生”展覽現場，2026年

雕塑：《我不會孤單》，2025年

裝置：《在天堂與我相見，我會等你》，2004年

圖片來源：泰特現代美術館

攝影：Sonal Bakrania

翠西·艾敏曾說：“女性往往會持續不斷地創作，一直到老。”作為例子，她提到了法國出生的藝術家露易絲·布爾喬亞（Louise Bourgeois），這位藝術家在2010年已98歲高齡，在去世前夕也在堅持創作。翠西曾這樣說：“成為一名成功的藝術家本就是極小概率的事情，對于女性來說如此，對于像我這樣出身普通的人更是如此。我曾面臨重重阻力。我認為，那些沒有從事藝術，或從未嘗試成為藝術家的人，很難理解這種信念、自信，以及一路走來的艱難。”

▲“凍結”展覽的布展手稿，1988年

翠西·艾敏的藝術從來不只是關于美學，更是一種存在的證明——證明創傷能夠轉化為力量，私密可以撼動公共，而女性的創作生命如同藤蔓，足以穿透時間的壁壘。時代不斷向前，YBA藝術家們早已不再年輕。曾經的叛逆學生，如今已成為當代藝術界的中堅力量：有的由頂級畫廊代理，有的在藝術學院擔任要職，他們無疑在藝術史上占據了不可磨滅的位置。

▲年輕的YBA藝術家們在為“凍結”展覽作準備，倫敦，1988年

當今，無論是文化挪用、兩性議題，還是氣候變化等問題，“爭議”依然是吸引公眾注意力的重要手段，也被藝術家廣泛運用于創作。而YBA在30余年前就已證明：在媒體時代，藝術家的名字能像品牌一樣被銘記，往往不是因為溫和的贊美，而是因為激烈的討論。然而，在記住這個品牌神話的同時，人們也不應忘記，YBA的起點，源于創作的沖動與表達的需求。

以上僅代表個人觀點

原標題：《爭議的力量：YBA藝術家的崛起、洗牌與回響》

收錄于《收藏/拍賣》雜志2026年春季刊

作者：Cecilia Tong

香港中文大學藝術哲學碩士

藝術行業從業者

擁有超10年行業經驗

轉載請注明來源