何為“色彩繪畫”？ | Ingrid Floss的繪畫思考（三）

英格麗·弗洛斯在作品前

編者按

英格麗·弗洛斯（Ingrid Floss），德國當代藝術家，1970年出生于德國科隆，目前，在德國慕尼黑工作與生活。曾于1997年至2003年在慕尼黑美術學院學習，2011年起任教于巴特賴興哈爾藝術學院，同年在慕尼黑美術學院與雷默·喬奇姆斯和杰瑞·翟紐克創立“色彩繪畫”（FARBMALEREI）研究中心，2012年曾任教于湖北美術學院，2023年至今擔任。同年受邀成為駐地藝術家。

本次分享的文字節選自英格麗的著作《繪畫、色彩與樹木的文本》（A Text for Painting, Color and Trees）從中可見她對色彩本質的深刻思考，以及對當代藝術浮躁風氣的清醒反思，更展現出一位當代藝術家堅守繪畫初心的真誠與執著。這個五一假期，她將抵達北京，與國內藝術實踐者共同探索色彩繪畫，開啟一場深度交流與創作之旅。
色彩繪畫 Color Painting 文/英格麗·弗洛斯

談及“色彩繪畫”的源頭之一，我們往往會聯想到阿爾卑斯山附近的藝術家 —— 藍騎士畫派成員、霍爾策爾、阿爾伯斯或霍夫曼。20 世紀上半葉，大批歐洲藝術家移民至美國創作與教學，“色彩繪畫”也迎來了新的發展方向，進一步走向成熟，第一、二代紐約畫派也由此誕生。后來，杰克遜?波洛克（1912–1956）、馬克?羅斯科（1903–1970）、瓊?米切爾、埃爾斯沃斯?凱利（1923–2015），以及杰瑞?翟紐克（1945 年生）等藝術家又將這些理念帶回了歐洲。翟紐克是少數仍在世的、真正理解色彩與繪畫本質的藝術家之一，我從他身上獲益良多。繪畫領域的不同影響與流派如同一場乒乓球賽，新的元素不斷加入，推動著藝術形式持續演變與發展，這一點與如今的藍調、爵士樂或非裔美國音樂頗為相似。

杰瑞·翟紐克作品

無題

70 × 70cm

布面油彩

2018

在山地環境中，光線與空間往往極為通透。人們天生向往空間與自由，這本是人之常情。我熱愛無人打擾的靜謐、澄澈與開闊空間，這完全是自然的天性，只有神經質的人才無法忍受獨處。

當空間深度被清晰界定，這對生存至關重要，在山地環境中更是如此。我能借此辨別方向，判斷物體的位置、遠近，這不僅能帶來安全感，更能帶來內心的平靜與平衡。

沙漠的情況則截然不同。在這里，你常常無法判斷物體的遠近，視覺錯覺隨處可見。一切都在光影中搖曳，畫面也顯得扁平，因此當地的藝術大多以裝飾性為主，空間深度被弱化到次要位置。

而在山地，我們能清晰地觀察到：前景的色彩更偏暖調，向背景過渡時則逐漸變為灰藍色。

這種冷暖對比，也能在二維平面上營造出三維空間感。

弗洛斯青年時期在澳大利亞寫生

但正如阿爾伯斯所言，色彩是繪畫中最 “具欺騙性” 的元素 —— 它會隨周圍色彩的變化而改變，這一點在他與學生共同完成的色彩研究《色彩的相互作用》中有著極具說服力的體現。鮮為人知的是，阿爾伯斯的創作深受阿道夫?馮?希爾德布蘭德（1847–1921）1893 年出版的著作《造型藝術中的形式問題》影響。希爾德布蘭德是慕尼黑雕塑家，曾與畫家馬雷、藝術理論家康拉德?菲德勒（1841–1895）一同創作與交流。在書中，他強調了繪畫與雕塑中統一形式與空間深度效果的重要性：核心在于藝術家如何引導觀者的目光深入畫面空間，畫面中的所有元素都應如浮雕般，以簡潔的形式排布在統一的背景之上。

畫家需要嘗試將兩種視角結合：一種是遠景視角，畫面呈現出平面化的整體感；另一種是近景視角，目光會在畫面中游走，由帶有明確深度塑造的局部構成整體。

這與同一時期在法國創作的塞尚的理念不謀而合 —— 藝術不再是簡單地描繪事物，而是呈現我們看待事物的方式。

英格麗·弗洛斯作品

滿懷希望

130 x 120cm

布面油畫

2021-2024

希爾德布蘭德也在書中探討了人類感知空間的本能需求。他認為，只有當藝術家自身的空間認知（即空間深度）與繪畫的平面性達成和諧統一時，真正的藝術才能誕生，這就需要一定程度的簡化與抽象。在書的末尾，他還闡釋了 “雕刻” 與 “塑造” 這兩種截然不同的創作方式：雕刻是從石材中鑿出形體，創作前就需要對整體形態有清晰的構想，再將多余的部分從石材中去除；而塑造則是逐層疊加、堆砌，不需要提前確定完整的整體形態，出現問題時可以隨時修改、去除。

這就像在電腦上創作，你可以隨意刪除、修改任何部分。

這種創作方式會帶來一定的隨意性，它并非源于自然生長、逐步形成的空間感知，而是將碎片化的元素強行拼湊成一個整體。

英格麗·弗洛斯作品

冷藍

70 x 70cm

布面油畫

2024

石雕與泥塑的創作方式，正是 “繪畫性” 與 “構成性” 差異的絕佳例證 —— 這是兩種截然不同的創作理念，也是兩種截然不同的生活態度。

舉個例子，很多人會反感火車上旁人打電話的聲音，原因就在于你只能聽到對話的一半，對話是破碎的，你感知到的只是碎片化的信息，這種狀態既不自然，也令人不適。

當我在慕尼黑新繪畫陳列館里，慢慢欣賞馬雷的作品時，會逐漸感受到畫面空間的鋪展：畫作的深度慢慢顯現，而空間始終是一個完整自洽的整體。我總會特意走進陳列他作品的展廳，每次都能發現新的細節。最讓我著迷的是，那些色調偏暗的畫作，會隨著觀賞時間的推移，逐漸顯現出豐富的色彩層次，比如他的三聯畫《求愛》就完美體現了這一點 —— 色彩如同藏在畫面底層，緩緩浮現出來。而當我在展廳里欣賞與馬雷同時代的拉姆貝格或皮洛蒂的作品時，情況則恰恰相反：初看時，畫面似乎是連貫和諧的整體，但看得越久，越會發現它分裂成孤立的局部，整體也變得越來越不和諧。這些作品從一開始就缺乏統一的空間概念。

慕尼黑老繪畫陳列館里魯本斯（1577–1640）的《阿倫德爾公爵夫人肖像》也是如此，這幅委托創作的作品，從一開始就沒有被構思成一個關聯的整體，最終也分裂成了獨立的局部。查閱作品背景就能發現，它本身就是碎片化的創作過程的產物，整體觀感丑陋又令人不適。

彼得·保羅·魯本斯作品

阿倫德爾夫人和他的隨行人員

布面油畫

16世紀20年代

美，始終與這種統一的空間效果綁定，它能給觀者帶來滋養。如今我們總覺得自己足夠聰明，不再需要這種理念，認為美是過時的東西，我們早已超越了這種局限。可事實是，我們所謂的 “先進與聰明”，正在摧毀整個環境與自然 —— 畢竟，誰還需要這種老掉牙的美呢？可如果讓自然保持本真，它自帶的平和、平衡的和諧之美，永遠不會單調重復。

色彩可以輕盈明亮，也可以厚重暗沉；另一組對立關系則是朦朧質樸與澄澈通透、尖銳喧鬧與沉靜內斂。但歸根結底，它們必須構成一個空間整體，色彩的質感與張力，取決于畫面空間的清晰度，以及作品引導觀者目光深入畫面的能力 —— 一面是通透，一面是豐盈鮮活。

關于美，我有這樣的思考：“畫滿一幅畫很容易，卻也容易扼殺掉它的呼吸感；將瑣碎的元素堆砌在一起也很容易，但要讓畫面如蝴蝶般輕盈自由，同時捕捉住蝴蝶振翅的瞬間，讓美如電光石火般閃現，又不將它凝固，讓這份美能反復被感知，這才是藝術的至高追求。”

英格麗·弗洛斯作品

滿懷希

130 x 120cm

布面油畫

2021-2024

如今重讀菲德勒 1876–1887 年間的文字，我依然會深受觸動。他是一位極具洞見的思想家，總會思考事物的走向，以及某種創作選擇會帶來的影響。在《現代自然主義與藝術真理》中，他提出了一個核心觀點：認為藝術必須越來越專注于再現現實，才能更接近真理與自由，這種想法本身就是錯誤的。它只會導致 “對世界的清單式羅列”，以及 “藝術個性的消解”。（康拉德?菲德勒，《藝術文集 I》，戈特弗里德?伯姆編，第 99 頁）

如今，我們的藝術似乎正走向這樣的困境：很多藝術作品只是單純記錄現實狀態，再將其搬進博物館，越來越多的藝術家變成了紀錄片創作者。這并非全然是壞事，但當我們將其他藝術創作形式視為次要甚至無關緊要的東西時，大量珍貴的創作潛力就會被埋沒。人類本就擁有改變、轉化所見事物的能力，這種能力能將我們從日常的 “泥沼” 中托舉起來，而藝術正是我們思考與行動的載體。如果一位藝術家因與世界產生沖突，最終選擇的解決方式只是單純描繪世界，那他并沒有真正解決任何問題，也沒有創造任何新的東西，更沒有提出任何有價值的思考。

英格麗·弗洛斯作品

檸檬天空

80 x 120 cm

布面油彩

說到這里，我總會笑著想起米歇爾?維勒貝克（1956 年生）的小說《地圖與疆域》：書中的巴黎藝術家將米其林地圖與同一地區的衛星圖像并置創作，在米其林公關的助力下，他的作品大獲成功 —— 而這，正是對世界的 “清單式羅列”。

菲德勒、馬雷與希爾德布蘭德都是超越時代的存在，時至今日，他們的理念依然鮮有人理解。如果沒有他們，德國藝術恐怕會被同時期的法國藝術遠遠甩在身后。馬雷始終忠于自己的藝術理念，正如他在《羅馬風景》中展現的那樣，始終 “堅持本心，筆耕不輟”。可惜的是，很多人沒有讀過菲德勒與希爾德布蘭德的文字，或是年代久遠，早已遺忘了這些理念。在大多數人看來，馬雷的畫過于晦澀、難懂、僵硬，甚至 “畫得不好”。但在我看來，他和他獨特的繪畫方式，至少在一定程度上啟發了另外兩位理論家，甚至可能是他們文字創作的靈感來源 —— 馬雷本人并未著書立說，但三人的交流探討，至今依然能給我帶來深刻的啟發。

弗洛斯在工作室

馬雷在世時鮮少被認可，除了菲德勒之外，幾乎沒有支持者。他一生只完成過一幅濕壁畫，而濕壁畫在他心中是最高級的藝術形式，這幅作品位于那不勒斯動物研究所。2013 年，我費了很大功夫才得以見到它 —— 當地的意大利人并沒有為訪客提供便利。但最終我成功了，那是一段永生難忘的經歷：四面墻壁都繪有壁畫的圖書館，給我留下了極為深刻的印象，也帶來了一種特別的空間感受。我至今仍記得一面縱墻上的巨大裂縫，那是上一次大地震留下的痕跡，只做了臨時修復。有時我會想，如果馬雷能多活幾年，他還能取得怎樣的成就？就像塞尚，生命的最后 17 年里，他完成了多少突破？可如今，真正重要的往往不是作品的質量，而是藝術家的名氣。

英格麗·弗洛斯與杰瑞·翟紐克教授在

那不勒斯動物學站圖書館內漢斯·馮·馬雷濕壁畫前

霍爾策爾在約 100 年前就曾指出：“要讓畫面擁有表現力與意義，不再必須依賴具象的物體。” 但這一點，至今仍有很多人難以理解。我們從小就被訓練用語言的邏輯思考，很難脫離語言去感知畫面。在色彩中生成主題、以色彩與空間為核心的繪畫，探討的是生命與感知的根本命題，它的語言是普世的，不需要講述任何敘事性、說明性的故事，反而能為觀者的思想留出自由的空間。繪畫永遠無法替代正在消失的自然多樣性，它也從未試圖這樣做。但它本身是一種獨立的視覺感官語言，而如今，這種語言也正面臨消失的危機，就像雨林中的巨樹、野生動物與南極的浮冰一樣。這些消逝的趨勢對我而言是一場悲劇，我寫下這些文字，正是因為它們讓我感到憤怒。

很多人總想要 “雙倍的效率”，一切都要盡可能光鮮亮麗、快速產出，追求快感、金錢與享樂，可隨之而來的麻木感卻極為可怕。我身處當下，卻始終覺得與這個時代格格不入。我們還沒來得及理解南極冰川的意義，它就已經融化；我們還沒來得及充分了解老虎、北極熊，或是不同地區的原住民，它們就已經走向滅絕。多樣性是如此珍貴，它為動物、樹木、山巒留下了生存的空間。我們都需要新鮮的空氣與水，卻不需要砍伐森林，用混凝土覆蓋大地。

如果你真正認真對待繪畫，很快就會變得謙遜 —— 太多偉大的作品已經誕生，而一幅好畫的創作，實在太難了。這份挑戰巨大，卻也無比珍貴，無論是欣賞還是創作，都能帶來深刻的滿足感。我相信我不是唯一一個有這種感受的人。如果我們希望繼續在這個世界上存在下去，就必須慢下來，學會等待與觀察 —— 不再一味追求消費與索取，而是退一步，好好看看這個世界。

英格麗·弗洛斯作品

無題

120 x 130cm

布面油彩

2018

但希望依然存在。菲德勒在 1876 年的論文《論造型藝術作品的評判》末尾寫道：

“因此，最高意義上的藝術，或許會消失數代人之久。但它的本質決定了，它的時代終將再次到來。藝術的沖動，是一種認知的沖動；藝術的創作，是認知能力的實踐；藝術的成果，是認知的結晶。藝術家所做的，不過是在自己的世界中，完成那蘊含著一切知識本質的理性創造。總會有這樣的時代到來：人們無法再只從自己曾深信不疑的地方，尋找到世界的本質；人們會離開習以為常的道路，因為他們終將明白，即使走在這些路上，也永遠無法抵達那永恒的遠方；人們會重返那被荒草覆蓋的古老小徑，去尋找數百年前人類曾走過的足跡；人們會丟棄鈍銹的工具，拾起那些早已被遺忘的器物，讓它們重新為那永恒不變的追尋服務。”

（康拉德?菲德勒，《藝術文集 I》，戈特弗里德?伯姆編，第 47-48 頁）

英格麗·弗洛斯在“色彩繪畫”創研工作坊

為成員闡釋漢斯·霍夫曼”推拉色彩”理論

五一·工作坊即將啟動

與英格麗·弗洛斯老師面對面交流、創作

講授導師：英格麗·弗洛斯 Ingrid Floss（德）

講授形式：線下理論講授+創作指導

講授時間：2026年5月1日——4日

為期四天，每天 9:00—18:00

講授地點：北京

講授子課題：

·藝術史中色彩的不同維度

·西方色彩體系與中國傳統色對比研究

·約瑟夫·阿爾伯斯“色彩的相互作用” + 實踐創作

·漢斯·霍夫曼“推拉理論” （平面中如何用色彩構建空間）+ 實踐創作

·如何通過色彩喚起情感 + 實踐創作